L’analisi dettagliata del processo creativo che ha portato Picasso alla creazione delle Demoiselles d’Avignon illumina un momento chiave nel passaggio alla modernità della pittura europea. Come da titolo, la bellezza viene accantonata, insieme all’attitudine mimetica e alla certezza di concorrere con l’arte ad un senso trascendente. L’atto pittorico, portando avanti la riflessione su forma e colore, si afferma come valore in sé e pare poter prescindere dal soggetto. Picasso però rifugge il puro astratto, continua a considerare il reale figurativo come punto di partenza imprescindibile, ma lo trasforma in base ad un sentire che supera la semplice visione. Le Demoiselles sono una sorta di feticcio, mutuato dall’arte primitiva, un esorcismo delle proprie angosce sessuali e una protezione dal vuoto e dalla violenza di un universo ostile. Il saggio ha il grande merito di allargare lo sguardo a tutta una serie di pittori (Ingres, Manet, Cézanne, Gauguin, Matisse) che a inizio ‘900 interagivano e si influenzavano a vicenda. Per quanto rivoluzionario, Picasso non rigetta in toto la tradizione e si avvale delle innovazioni formali dei suoi colleghi. Come lui Matisse, che partendo da presupposti analoghi arriva ad una concezione dell’arte quasi opposta, tesa verso la trascendenza. A fronte di un testo tanto ricco ed intrigante, che coglie in pieno lo spirito della collana, il solo appunto riguarda una certa ripetitività dei concetti esposti nei primi capitoli, forse legata alla scelta di ripercorrere le interpretazioni critiche dell’opera nel tempo.
